MÚSICA DEL PERÍODO IMPRESIONISTA Y LA MÚSICA DE CÁMARA
DAFNE FERNÁNDEZ NARVÁEZ
DANIEL ESPINOSA
LENGUAJE MUSICAL
IMPRESIONISMO
Comenzó en Francia por el año 1897, posteriormente al impresionismo en la pintura.
Se pretendía que el timbre predominara sobre la melodía y aún sobre la estructura global del sonido (la armonía).
- El compositor, tiende a suscitar con su música una imagen visual tan fuerte como pueda.
- La melodía se convierte en algo fragmentado, algo que evoca lo esencial, lo que contribuye a crear una atmósfera sonora, imprecisa, tan imprecisa.
- Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).
- Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta de Claude Debussy). No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnia
CLAUDE DEBUSSY
Isaac Albéniz
Manuel de Falla
Maurice Ravel
Erik Satie
Joaquín Turina
- Ottorino Respighi (1879-1936)
- Albert Roussel (1869-1937)
- Paul Dukas (1865-1935)
MÚSICA DE CÁMARA
El término de música de cámara propiamente dicha aparece por vez primera en
el barroco. Es el término para referirse a la música de pequeñas conjuntos o
instrumentos solos, escrita para interpretarse bajo circunstancias caseras, en un salón o
en una pequeña estancia para una audiencia limitada o ni siquiera la necesidad de esta
audiencia.
A simple vista la música de cámara implicaría la música de carácter íntimo,
interpretado y oído para uno mismo en sala privada más que para un gran público, y
depende de la delicadeza de su uso para que tenga su deseado efecto.
Esto excluye la música compuesta para ser interpretada fuera de una sala (como
la militar) la cual implica que la música manifieste otra función.
Para los compositores la música de cámara es lo más genuino de su creación
musical. Sin las ataduras que supone escribir para encargo de una orquesta con los
condicionantes que eso conlleva, los compositores se muestran tal como son en la
música de cámara ya que esta se piensa y se destina para un grupo reducido,
normalmente amigos, sin ningún condicionante estético. Se escribe casi para uno
mismo.
Si bien la música de cámara tiene sus orígenes en el siglo XVII, no es hasta el
clasicismo donde se consolida como género de verdadera relevancia.
El género de la música de cámara acepta diversas formaciones instrumentales.
Primeramente debemos diferenciar entre la orquesta de cámara y cualquier formación
camerística. La orquesta de cámara, es realmente una pequeña orquesta que tenía en
su origen la finalidad de actuar en salas pequeñas, especialmente la corte. Suelen tener
un reducido grupo de cuerdas, 4 violines primeros, 4 segundos, 3 violas, 2 cellos y 1
contrabajo. Puede incluir también un grupo de maderas a dos, es decir, dos
instrumentistas por cada instrumento.
También es frecuente emplear en este formato la orquesta de cuerdas.
Las formaciones camerísticas que se alejan del concepto orquestal son
innumerables. Desde su número de integrantes como la variedad de familias
instrumentales hacen todo un catálogo de posibilidades.
Dúos con cello.
Mucho menor el volumen de obras dedicadas a la formación, aunque no por
ello son de menor calidad que las de violín. Es más, la relación del cello con el piano es
posiblemente más homogénea que la del violín.
El primer gran referente son las sonatas de Beethoven. Brahms, también escribe
dos bellísimas sonatas con una majestuosa mezcla de fuerza y sensibilidad. El siglo XX
es propicio para monumentos musicales evidentes. Rachmaninov, Prokofiev,
Shostakovitch, Debussy, Britten etc.
Dúos viento y piano
Los instrumentos de viento más favorecidos antes del desarrollo definitivo de
totalidad de los mismos en el siglo XX son flauta, clarinete y oboe.
La flauta y oboe lo son en el periodo barroco y clásico, despareciendo en
romanticismo salvo las 3 romanzas de Schumann para oboe y piano. El clarinete sin embargo es en el romanticismo donde toma su posicionamiento con obras de SaintSaens, Weber, Schumann, y sobre todo Brahms.
Ya en el siglo XX todos los instrumentos tienen cabida.
Poulenc, Milhaud, Hindemith, Martinu, representan un modelo similar aunque
cada uno con unos planteamientos estéticos diferentes. Todos ellos escriben para
prácticamente la totalidad de instrumentos.
TRÍOS CON PIANO
Tienen un origen no demasiado idealista desde el punto de vista estético, a
pesar de que con el tiempo se convertirá en una formación sumamente atractiva en la
que la mayoría de los compositores escribirán para ella.
En el clasicismo, la sonata para violín y piano era muy apreciada. Realmente era
música escrita melódicamente a dos voces con acompañamiento armónico de los bajos
del piano. Precisamente estos eran muy débiles por lo que se pensó añadir un cello
para reforzarlo. Con este espíritu se escriben los de Haydn y los de Mozart.
Ya con Beethoven el Piano está más desarrollado y el cello comienza a tener
mayor independencia abordando partes melódicas.
El romanticismo es un periodo que encuentra en trío con piano un buen medio
para el compositor. Schubert, Mendelshonn, Schumann y sobre todo y una vez más J.
Brahms.
En el siglo XX, la aportación de Debussy es discreta con su juvenil trío, no así
sus compañeros de viaje Fauré y Ravel que escriben uno y dos tríos respectivamente de
una calidad excepcional.
EL CUARTETO DE CUERDA
Sin duda junto con el trío con piano es la formación estrella de la música de
cámara. Dos violines, viola y cello son sus integrantes, creando una onorid bella y
homogénea. Tiene su lanzamiento con Haydn, quien es considerado el padre del
Cuarteto. Desde entonces es difícil encontrar a un compositor que no haya escrito para
esa formación. Mozart cultivó refinadamente el género. Beethoven escribe un buen
número llenos de tensión y distensión. En el siglo XIX pierde ligeramente la
supremacía del clasicismo en detrimento sobre todo de la gran orquesta y en el caso de
la música de cámara del trío. Con todo compositores como Schubert, Schumann o
Brahms siguen apostando por la formación, quizá porque son compositores que siguen
la tradición alemana de Mozart, Beethoven.
El resurgir se produce en el siglo XX. Debussy y Ravel con un solo cuarteto cada
uno, pero sobre todo Bartok con 6 y Shostakovith con 14 son los máximos exponentes.
En la zona eslava, quizá por la enorme tradición de cuerdas, destacan los importantes
cuartetos de Dvorak (especialmente el llamado “Americano”), Smetana (Mi vida) y
Janaceck y en Rusia los de Borodín. En España, Turina, Arriaga y Toldrá son quienes
mayor proyección alcanzan con sus cuartetos.
LOS GRUPOS DE VIENTO
La formación de vientos más extendida es la de quinteto de viento: flauta, oboe,
clarinete, fagot y trompa. De esta formación suelen aparecer variantes tanto en la
disminución de efectivos como en la ampliación de los mismos o incluso la
combinación con otras familias instrumentales.
De la reducción surgen tres combinaciones principalmente.
o Flauta, oboe fagot, empleada sobre todo en el barroco.
o Flauta, oboe, clarinete
o Oboe, clarinete, fagot, que es la que más éxito alcanza.
A estos tríos se les suele añadir el piano formando importantes cuartetos como
El capricho sobre temas Rusos y Daneses de Saint-Saens o La sonata de Milhaud.
Cuando se amplían estos grupos se suele bordear el concepto de conjunto
instrumental. 2 oboes, 2 clarinetes, 2 trompas y 2 fagotes es una formación muy bien
tratada principalmente en clasicismo y romanticismo. El origen de estas formaciones
era amenizar los grandes banquetes de la Corte.
FUENTE:http://www.um.es/aulademayores/docscmsweb/tema_4._la_musica_de_camara.pdf
http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo_musical
